RAFAEL RODRÍGUEZ – entrevista

1.- ¿QUÉ ES UN DIRECTOR DE ESCENA? ¿CUÁL ES SU LABOR DENTRO DE UNA COMPAÑÍA?

En líneas muy resumidas diría que es la persona que marca las líneas artísticas por las que ha de discurrir todo el espectáculo y quién se preocupa de que todo el equipo esté al servicio de esas ideas. En otras palabras, define el sentido que ha de tener la obra de teatro que se va a montar, las líneas estéticas y artísticas que servirán de referente para definir los diseños de escenografía, vestuario o iluminación y diseña junto a los actores la emociones y los movimientos de los personajes en la escena.

Muy especialmente la de establecer los objetivos del espectáculo y coordinar a todo el equipo artístico. Si tuviera que poner un símil este sería el de un entrenador de futbol; dispone al equipo sobre el terreno de juego y marca las ideas de cómo ese equipo tiene que jugar.

Por último hay un aspecto más genérico y es que también define en gran medida el repertorio de la compañía, ya que este se establece en función de criterios de producción pero también ideológicos.
2.- ¿DE QUÉ HERRAMIENTAS TE VALES PARA LLEVAR A CABO TU TRABAJO?

Del estudio del texto que voy a montar y de diferentes fuentes informativas ya sea sobre el autor, la obra o el tema que trata la misma. También tengo que echar mano de mucha sicología para el trabajo con los seres humanos que integran el equipo, no sólo los actores sino que alrededor de un espectáculo tenemos desde el productor a los diferentes diseñadores y realizadores.

La planificación de los ensayos suele ser una muy buena herramienta para poder organizar bien el trabajo.

Por último, no se si esto se puede llamar herramienta, pero tener paciencia y saber escuchar a los otros es un buen elemento para llevar a cabo el proceso de montaje de un espectáculo, que lógicamente tiene que pasar por muchos momentos diferentes.

3.- EN ESTE CASO, LA OBRA NO ESTABA ESCRITA. LOS AUTORES NOS HAN CONTADO EL PROCESO DE ESCRITURA PERO… ¿CÓMO HA SIDO EL PROCESO DE CREACIÓN DEL ESPECTÁCULO?

Realmente ha sido un proceso muy similar a otros montajes que he realizado con este mismo equipo artístico. Parte fundamentalmente de tener un espacio escénico a partir del texto que vamos a montar.

En primer lugar hemos de tener un texto (aunque sea provisional) y a partir de ahí definir un espacio, un lugar escénico por el que han de transitar los personajes, esto supone tener, lo antes posible, diseñada una escenografía. Este trabajo lo realizo fundamentalmente en conversaciones con José Luis Massó, escenógrafo de El mar y las estrellas. En paralelo se va trabajando con el diseñador de vestuario o figurinista quién empieza a buscar elementos visuales respecto a la época y el entorno donde se sitúa la acción del texto que servirán como referentes para sus propios diseños. En nuestro caso teníamos tres historias que se situaban en épocas y entornos muy diferenciados, desde la época moderna hasta los años 30 del siglo XX; desde el observatorio del Roque de los muchachos en la isla de La Palma hasta la arena y el mundo marinero de la isla de Fuerteventura pasando por un hotel de lujo en Las Palmas de Gran Canaria. Como puedes ver son muchos y muy diferentes momentos y entornos.

Una vez tenemos los puntos de partida que corresponden al espacio y el entorno de cada texto comenzamos las lecturas de los textos y la definición de los conflictos de los personajes, lo que los actores han de desarrollar en cada momento de la escena. Este momento del proceso es lo que se suele denominar “trabajo de mesa” y es lo que nos va a permitir comenzar los ensayos en “caliente”, es decir ensayos de puesta en pié.

Es durante estos ensayos cuando concreto las ideas de significación del espectáculo, cuando trato de definir no sólo con el texto hablado, sino con las acciones y movimientos de los actores el discurso de la historia que estamos montando. Es en este momento cuando surgen las mejores ideas, en el caso de el mar y las estrellas la idea de utilizar las maletas como elemento unificador de todas las partes y como elemento desde el que sacarían los actores los objetos de atrezzo para cada acto de la obra. Es el periodo que lleva más tiempo en el proceso de trabajo.

En mi dinámica particular trato de tener un boceto del espectáculo lo antes posible, me suele llevar unas dos semanas de ensayos. Sobre este boceto empezamos a profundizar, tanto los actores como el resto del equipo creativo, es a partir de este boceto donde el diseñador del espacio sonoro y el iluminador realizan su trabajo. Todo el proceso es un sumar colaboradores, un sumar líneas creativas.

Por último, cuando ya tenemos todos los aspectos del espectáculo elaborados buscamos un teatro, si es posible el mismo donde vamos a estrenar, donde poder montar todas las piezas que componen el espectáculo (iluminación, escenografía, vestuario, atrezzo, etc.), estos los denominamos ensayos técnicos y pre-generales. Estos ensayos sirven fundamentalmente para realizar ajuste del ritmo, de las transiciones. Probar cómo funcionan los diferentes efectos sonoros y en resumen sirven para que en términos muy coloquiales, el espectáculo cuaje y se ajuste.

Ya por último realizaremos los ensayos generales, si es posible con público, para que los actores sientan esa energía que siempre transmite el espectador y finalmente llegaremos a la noche del estreno con nervios pero con un trabajo intenso y sustancioso elaborado durante mas de seis meses que es el periodo que normalmente dura un proceso de ensayos desde las primeras lecturas del trabajo de mesa hasta que se levanta el telón en el estreno.

4.- ¿QUÉ MENSAJE Y QUÉ VALORES CREES QUE APORTA LA OBRA EL MAR Y LAS ESTRELLAS PARA UN PÚBLICO JOVEN?

El mar y las estrellas es un espectáculo que por su propio estructura y al tratarse de tres textos cortos unidos bajo la idea del viaje y del encuentro entre personas diferentes de distintos lugares con visiones de la vida a veces muy opuestas nos permite hablar de muchas cosas y transmitir varios mensajes y valores.

El principal, el que ya he apuntado del respeto a la diferencia. El saber ver en el otro aquello que nos complementa, no aquello que nos separa. Por otro lado encontramos ideas motores básicas como es el de saber valorar tu propia tierra, reconocer los valores de tu entorno, aunque estos sean difíciles de asumir. Defender tus propias ideas, ser capaz de tener ideales por los que luchar frente a las normas, muchas veces injustas, que nos imponen los demás, sobre todo aquellas que vienen de ideas totalitarias o conservadoras.

El mar y las estrellas nos permite disfrutar del mundo de la ciencia a través de la mano de Neil Amrstong, del mundo de la literatura a través de Agatha Christie y del mundo de las ideas y la filosofía a través de Miguel de Unamuno. Cada uno de ellos nos transmitirá cuál ha sido el sentido de su vida y cuáles han sido los valores que la han impulsado.
5.- ¿QUÉ SE NECESITA PARA SER DIRECTOR DE ESCENA?¿QUÉ TE PARECE LO MÁS COMPLICADO DE TU PROFESIÓN?

Fundamentalmente ganas. Poder ver la obra en su conjunto, no sólo desde la perspectiva de un personaje. Entender que un espectáculo teatral es una obra de arte completa donde todas las demás artes tienen cabida, la oratoria, la literatura, la música, la pintura, la escultura y cada una de las formas de expresión de que se ha dotado el ser humano.

Creo que lo más complicado es el trato con las otras personas. Aunque esto pueda parecer fuera de lugar, lo principal para un buen director, además de controlar todos los aspectos técnicos del espectáculo (que lo puedes conseguir con una buena y permanente formación) es el poder entender y saber escuchar las propuestas de los demás creadores del espectáculo, desde los actores hasta el último de los colaboradores. El director no es un dictador. Ha de saber explicar y convencer de sus ideas, ha de ser flexible y dúctil para saber ver una mejor idea en el otro. Ha de asumir que un espectáculo es la construcción de muchas manos y que dos ven mejor que uno.

6.- ¿CÓMO DIRIGES A LOS ACTORES? ¿TIENES CLARO LO QUE HACER DESDE EL PRINCIPIO O PRIMERO VES SU TRABAJO Y LO SUMAS A TU IDEAS?

Como ya dije en la pregunta anterior es muy importante saber escuchar a los demás. Por ese motivo mi proceso de trabajo planteo unas líneas maestras y me dejo llevar por lo que los actores construyen en los ensayos. Suelo dirigir hablando mucho con los actores, dejándoles hacer y reflexionando sobre lo que han hecho. Es muy importante definir con los actores cuáles son las intensiones de los personajes y sobre todo cuales son las situaciones que se están desarrollando y que deben de quedar claras para el espectador.
7.- ¿CUÁNDO SUPISTE QUE QUERÍAS DEDICARTE A LA DIRECCIÓN DE ESCENA? ¡QUE RECOMENDACIONES LE DARÍAS A UN CHICO O UNA CHICA QUE ESTÉ PENSANDO DEDICARSE A ESO DE LA DIRECCIÓN DE ESCENA?

Fue casualidad, estaba en un grupo de teatro y nos dejó el director que teníamos en aquel momento, el resto de la compañía se giró y me señaló, no me quedó otro remedio que ponerme al frente de esa nave. Después vino el hacer cursos, talleres, e irme metiendo poco a poco en la dirección de escena. Pero fue el salto definitivo a la RESAD, a estudiar la carrera, lo que me dio conciencia de lo que realmente era un director de escena. No tuve conciencia de un día para otro, fue un proceso de tiempo y de madurez.

La única recomendación es que trate de formarse lo más posible y en todos los aspectos. Que no desprecie ninguna información venga de donde venga, que sea una esponja que todo lo absorba. Pero lo fundamental es que se prepare para ingresar en un centro superior de arte dramático para poder hacer los estudios de dirección de escena como punto de partida.

Ah…! Y que lea y vea mucho mucho mucho teatro.
8.- CUÉNTANOS ALGUNA ANÉCDOTA DEL MONTAJE DE LA OBRA.

No se que contar, simplemente que fue un proceso muy divertido donde nos lo pasamos muy bien y que cada día era un nuevo descubrimiento. Siempre había alguno de los actores que cuando nos trabábamos en los ensayos por cualquier motivo gritaba con ironía y desparpajo ¡Meee abuuuurro! Y todos nos reíamos y solía desbloquear el momento.

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